Desde hace unos días me propuse a ver, los proyectos de Net Art que publicó el prof. Algunos aún no los he entendido, ya sea porque no supe por donde ir, o porque me pedía que instalara algunos componentes... pero "Versos Versus Versos", sencillamente me encantó.. quedé atrapada leyendo una y otra ves cada verso, cada verso que forma un poema, cada poema que nos remite a una basta cantidad de imagenes mentales... Y los ¡versitos corriendo! que sencillo e ingenioso..
Recuerdo que tuve una experiencia similar, con la obra del reloj poético, y reconozco que no soy ducha en la poesía, sin embargo logré tener una experiencia estética a través de estas obras. Imagino, el alto grado estético que puede lograr estos típos de obras, en espectadores asiduo a la poesía.
Otro Net Art, que es de mi agrado, se llama 99Rooms, una serie de fotografías, intervenidas por elementos en movimientos, dónde el sónido colabora para generar un ámbiente un poco sombrio y algo aterrador, sumergiendo al espectador en una especie de suspenso, esperando que será lo proximo en moverse, lo proximo que hay que pinchar (hacer click), o lo proximo en salir.
99Rooms, es él único proyecto de arte de internet, que mezcla lapintura mural, fotografía,animación y sonido.Poco después desu lanzamiento enjunio de 2004,más de 5millones de personasen todo el mundoya han visitado estetrabajo interdisciplinariocompuesto dearte.99Roomsse deriva de lasimágenesmísticas, a menudo con encanto apocalíptico;creado por el artista berlinésKösterKimdentro de las innumerables instalacionesdesocupadasdel sector industrialal estede Berlín.
En otra ocación, continuaré con esta entrada a ver quién se lleva el tercer lugar en mi lista de los tres proyectos de netArt, que llamaron mi atención.
domingo, 5 de agosto de 2012
"Todos somos genios. Pero, si juzgas a un pez
por su habilidad para escalar un árbol, pasará toda su vida pensando que
es estúpido" Albert Einstein
Nam June Paik trabajó en el campo del videoarte, performance,
instalaciones, transmisión por satélite, pintura, y composicion musical.
Su obra incorpora tecnologia, y hoy en dia esta reconocido como uno de
los grandes artistas a nivel internacional, que condujeron el arte del
siglo XX hacia una nueva era.
Nacido en Corea del Sur, Estudió música e historia del arte en la universidad de Tokio. Más tarde, en 1956, viajó a Alemania, donde estudió teoría de la música en Múnich, continuando en Colonia y en el conservatorio de Freiburgo. Desarrolló desde el primer momento un agudo sentido de escandalo público. se dice que su popularidad le llegó a través de su participación en performances eróticos y extravagante.
Charlotte Moorman.
Nació en Little Rock, Arkansas. Estudió violinchelo desde los diez años de edad y se licenció en música en 1955. Comenzó su carrera en sala de conciertos pero pronto se vió interesada en el arte del performance y el video arte de la década de los 60´. Se convirtió en una estrecha colaboradora del artista vanguardista de Corea Nam June Paik, con el que actuó internacionalmente.
Moorman actuó en la obra de Paik, TV Bra for Living Sculpture (1969) el cual es uno de los varios objetos diseñados por Paik para ser usados por Moorman.
La intención de Paik era "humanizar a la electrónica y la tecnología" Mediante el uso de la televisión como sostén, la pertenencia más íntima del ser humano.
Esta obra consta dedos televisoresen miniaturaconectadas a unconjunto decorreasde vinilode manera quelas pantallasfuncionaban comolas copasde sujetadorde una mujer.
Originalmente, cuandoeste trabajose utilizóen las acciones, el sonido que se reproducíaMoormanen suchelose filtrabaa través de unprocesador cambiaba, modulaba, interrumpía y volvía a generarlas imágenes en vivo tocando,en las pantallasde televisiónde su sostén.
Al combinar la sexualidad, (Moorman, sólo estaba vestidad con el sostén de televisores) el arte del performance, los medios corporativos de entretenimiento (la señal en vivo de los dos televisores) la música clásica y la escultura, Paik subvierte los efectos nocivos de la era electrónica.
Charlotte Moorman, viajó a Venezuela en 1975, para dar a conocer sus propuestas y los videos de varios de sus colegas, esto fue en el marco del primer festival de video arte, el cual se llevó a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Nan June paik, no viajó a Venezuela, sin embargo sus videos y perorman estuvieron presentes. Moorman, llevó a cabo el performan de "TV Bra for Living Sculpture" dónde el artísta Claudio Perna, tuvo la oportubidad de colaborar con Moorman en la producción del mismo.
"Muestra de Video, Primer Festival de Caracas"
Esta muestra se realizó cuatro años después del Primer Festival de Video Arte, en Venezuela, organizada nuevamente por margarita D´Amico, la cual fue realizada en la sala C de la Biblioteca Central de Venezuela; en la que destacaron los videoperformances de Diego Rísquez "A propósito del hombre de maíz" y de Carlos Zerpa "Yo soy la patria". Cabe destacar, que en estos momentos, debido a la dificultad para acceder a los equipos de vídeo, muchos de los trabajos se realizaron en formato Super8, siendo este formato el que determinaría la gramática del primer “videoarte” en Venezuela.
Carlos Zerpa.
Nace en valencia, Edo. Carabobo. 1950.
Zerpa es considerado figura clave
en los orígenes del arte conceptual en Venezuela, momento en el cual ejecutó
obras y performances completamente inusuales, sin renunciar al culto
"fetichista" del "objeto de arte", insistiendo en el uso
del tricolor nacional y la santería popular. Pertenece a una generación de
artistas cuyo trabajo pictórico no sólo explora esos legados, sino que también
pone a prueba los límites visuales que permiten expresar temas supuestamente
sin valor estético y kitsch.
"Tengo 29 años
de edad y justo en ese momento, en el año de 1979, grabé la palabra
"PATRIA" repitiéndola por casi una hora sin parar, sin pausas, esto lo
grabé y lo usé como sonido en un Performance mío titulado: Señora
Patria, sea usted bienvenida, un Performance, realizado en el marco del
evento, "Muestra de Video del Festival de Caracas", en Universidad
Central de Venezuela."
Patria, patria,
patria, patria, patria, patria, patria, patria, patria, , patria,
patria, patria, patria, patria, patria, patria, patria, , patria,
patria, patria, patria, patria, patria, patria, patria, , patria,
patria, patria, patria, patria, patria, patria, patria… Así hasta el
cansancio, hasta el desgarro, así al infinito…
"Carlos Zerpa ha sido el responsable de una exploración totalmente abierta a nuestro inconsciente colectivo, la imaginería popular, la suspensión, los símbolos patrios, la magia, los ídolos infantiles, la fábula del arte y de la historia, de sus propios demonios. Se erige como el dueño de una proposición discontinua, volteada a varios medios, adecuada tanto a las necesidades vitales como a los desarrollos propiamente conceptuales que otorga como resultado una obra coherente, profunda, compleja, profusa y siempre sorprendente en la cual el artista concentra una amplia gama de técnicas y medios" (Cárdenas, 1995).
Jennifer Hackshaw
Nace en Caracas, 1948. Artista del performance y el video.
Desde 1979 y hasta 1986 establece un vínculo creativo con Nan González y
juntas comienzan a realizar, con el nombre Yeni y Nan, performances e
instalaciones de multimedia, que identifican toda una propuesta del arte
conceptual de los ochenta. Durante esta etapa desarrolla sus proposiciones a
partir de tres temas básicos: el problema de la identidad personal, el de los límites
de espacio individual y compartido en la dialéctica tú-yo y el de los elementos
naturales.
De los videos mostrados por el prof. en el capítulo I, del Video arte, debo admitir que estas dos artístas fueron quienes me agradaron más, (tal vez, porque fue la acción que comprendí, mientras que las otras tuve que documentarme primero para saber de que iban o simplemente porque me identifiqué más con su tema). En el video Nacimiento I, de Yeni y Nan, pude sentir y captar desde el primer momento esa sensación de querer soltarse, de abrirse, de despegarse de esa especie de capullo que te mantiene atado, para pasar a ser libre como una mariposa, y andar, volar, revolotear. Estas artístas, de alguna forma me hicieron reflexionar, cómo de alguna manera estamos en un constante nacimiento, en un constante cambio, evolución, y cómo, como individuo aunque estemos sumergido en nuestro entorno, aunque formemos parte de él, tendremos una lucha interna por Ser.
Por otro lado, debo seguir admitiendo que me parece, complicadisimo eso del arte conceptual, confiezo que me cuesta comprenderlo a primera, segunda, tercera vista (y pare de contar). Si de por sí, para tener una verdadera comprensión de una obra tradicional hay que conocer y manejar ciertos código, para llegar a comprender el arte conceptual hace falta mucho más que esos "códigos", entrarle de golpe a unos videos que no sé ni quienes son sus autores, ni de que va su obra, me pone en una gran desventaja, además del desconocimiento de muchos otros factores del cual carezco. Con esto no me excuso, simplemente planteo que debo comenzar investigando, quienes son, que los motiva, de dónde viene a dónde van entre muchas cosas más. Lo cierto es, que cada artísta, realiza su obra, partiendo de lo que es, de lo que hace, lo que lo mueve, lo que le inquieta o molesta. En el caso de Moorman, trabajó con lo que le apasionaba (la música) conjugandolo con otros aspectos, y en el caso de Yeni y Nan era su conjución con la naturaleza, la identidad, los espacios personales entre otros. Cada elemento es un factor importante, que conduce al artísta a representar ese sentir interior.
jueves, 12 de julio de 2012
Después de tantos días sin arte digital, un internet robado que no me permite ver los videos publicados por el prof. (ni soñar con descargalos), cinco materias tratando de recuperar el tiempo perdido, las cuales ni me dejan ir a un cyber,(dónde por cierto, el internet es igual de lento) y las ganas de salir corriendo abrazar a mamá...
Hace una semana o más, el prof. nos mandó a investigar sobre quién es Anderson butler..
Sólo puedo escribir sobre su biografía y de que van sus trabajos sin dar una apreciación personal, puesto que no he podido ver los videos, y la verdad ya estoy frustrada y fastidiada de esperar una eternidad a que cargue y luego cuando lo vaya a ver se dañe.. en fin... me quiero ir a mi casaaaaaaa
Ken Anderson Butler
Es un artista de Los Angeles, quién trabaja enuna variedad de mediosincluyendo videoinstalación, el performancey la fotografía.Ha participado enexposiciones individuales y colectivasa nivel nacionale internacional, incluyendo: La BienalInternacional de Arte Contemporáneo, Venezuela, El Museode California enPasadenaArte,ExposicionesFringe-Los Angeles, OrangeCounty Museum of Art, Galería-Cueva de Brooklyn, Nueva York, Photo Miami,Track 16Gallery, Santa Mónica,CarlBergProyectos-West Hollywood, ArtCenter College of Design, y HunterCollege de Nueva York.Sutrabajo en videotambién está enlas videotecasde arte enPierogiGalleryen Brooklyn,Nueva York, yotras exhibiciones.
(Hasta para cargar una foto una eternidad, mal momento para postear, estoy de mal humor, continuaré luego)
Creo que desde que tengo uso de razón he estado al tanto de mi conexión, con el gran violinista, compositor tocuyano Pablo Canela...
-¿Segura que has estado al tanto Ismari?
-Pues no. Sólo he sabido que el apellido Canela que lleva la gran mayoria de mi familia materna y yo, es del mismo Canela del Violinista Pablo Canela (parece un trabalenguas), sin embargo, nunca habia tenido la curiosidad de indagar como llegó ese Canela a mi cédula de identidad y mucho menos de conocer a fondo quien era Pablo Canela, ese personaje tan nombrado en mi familia.
Mamá me comentó, que Pablo, era hermano de Zoila, Zoila era mamá de Ramona, Ramona es mamá de Maritza, Maritza es mamá de Ismari, Ismari es mamá de 3 mascoticas virtuales. soy yo.
Recapitulando, Pablo era hermano de mi bisabuela Zoila por lo tanto tio de mi abuela Ramona, me imagino que tio segundo de mi mamá y de mí ya no sé que sería... ¿tio tercero?
-Nada Ismari, no te emociones.Mejor hablame de él..
Pablo Canela.
Nació en el barrio los dos camino del Tocuyo Edo. Lara.
En 1955, a la edad de 41 años, viajó a Barquisimeto, donde fundó el
Club Comercio, primera escuela de cuatro de la ciudad, en la cual
impartiría clases de este instrumento. Sin embargo, su condición de
artesano le llevó a dedicarse a la fabricación de cuatros, hasta
convertirse en un experto en instrumentos musicales de cuerda. Tan
reconocida fue su carrera en este sentido que figuras de la talla de
Aldemaro Romero y Freddy Reina encontrarían en Pablo Canela un asesor
permanente en cincos, arpas, violines y cuatros. Justamente, la confianza que sentía con estos dos últimos
instrumentos estimuló sus dotes como compositor, llegando a crear obras
que forman parte del acervo cultural larense y nacional. De su pluma son
bien recordadas Hilda, Dulce melodía, Mirna, Ramoncito en Cimarrona, El
burro de la manea y El gavilán tocuyano, quizá su obra más reconocida.
De la mano del Conjunto de los Hermanos Báez -que integraban cuatro
de sus hijos en la ejecución del arpa, el cuatro, las maracas y el bajo-
grabó varias producciones de 45 rpm y otros tantos LP que le hicieron
merecedor de importantes reconocimientos nacionales y extranjeros. Por
citar sólo algunos se puede hablar de los premios “Coral Juvenil
Doralisa de Medina”, “Ampies de Oro de Venezuela”, “La Estrella de
Venezuela” y “Pentagrama de Oro Musical”.
Pablo Canela murió en Barquisimeto, el 25 de agosto de 1981.
En algún
momento de su vida llegó a expresar de sí mismo
“…creo haber cumplido
con mi Estado y mi pueblo. Me considero un buen ciudadano; he dado trece
hijos a mi patria; cuarenta años de unión con una mujer maravillosa:
Carmen Luisa, la compañera de toda la vida y muchos años compartiendo la
enseñanza musical”.
Para dar continuidad a la tradición, en 1996, uno de sus hijos, Emil,
crea la Fundación Pablo Canela, con el mismo sello de distinción que le
imprimió su padre a todo cuanto hacía. Esta Fundación sirvió de
complemento a las actividades desarrolladas por la Academia Musical del
mismo nombre y la empresa Instrumentos Musicales Pablo Canela, que es
administrada en la actualidad por sus hijos.
Un poco de historia sobre Gavilán Tocuyano.
Es posible que muchos se pregunten cuál es la fuente de inspiración
que tienen los autores para crear una obra. Pues bien, la respuesta
pudiera estar en los hechos sencillos y cotidianos que despiertan la
atención y, por ende, la vena artística de aquellos que logran hacer un
verso de las más rutinarias situaciones de la vida.
A continuación se
exponen las razones que llevaron a este creador a componer su más famosa
obra: El gavilán tocuyano.
“Un día, cualquiera asoleado en tierras del Tocuyo, Pablo Canela se
encontraba en el patio de su casa, contemplando el horizonte con los
cardones y cujíes de esa tierra árida, cuando, sin buscar inspiración y
por casualidad, observó en el aire un gavilán que volaba. A la vez, pudo
apreciar una gallina impaciente y casi desesperada tratando de reunir a
sus polluelos para protegerlos de la agresión del gavilán. El hecho
llamó tanto la atención del maestro que no perdió detalle alguno de la
situación. Después de cierto tiempo, estando en el mismo sitio, escuchó el
gavilán que piaba simulando el llamado de la gallina a sus pollitos, y
pudo apreciar como éste, al ver el descuido de uno de los pollos, se
lanzó en voraz ataque, atrapándolo y llevándolo en sus garras…
Simplemente se podía escuchar el piar del pollito cada vez más
distante”.
Me sorprendo, cada vez más, me sorprendo cuando leo este tipo de cosas, donde se ratifica el hecho de sensibilizarnos con nuestro entorno y crear maravillas a partir de situaciones cotidianas. Sensillamente fantástico. ¡Ya veo las conexiones!
Anteriormente publiqué una entrada de "la historia de zombies amarillos" dónde contaba como a través de una película, caí en cuenta de la existencia de estas florecitas (pensaran ¡te pasaste, si están en todos lados! pues sí me pasé) hasta llegué hacer un parangón de la peli con el prof. Yucef y las florecitas: el conocimiento; en el sentido de que a través del uno me he dado cuenta de otras cosas. De esta manera, este video va un poco sobre como en ocaciones necesitamos de algo o alguién para despertar, para levantarnos, para germinar y salir de el subsuelo del conocimiento donde estamos, por así decirlo; y un poco sobre el proceso personal, en el que cada quién al igual que las semillas, tiene un tiempo de germinación diferente. En fin... ese proceso en el que dejamos de ser un zombie subterraneo y salimos a la luz para ser un Zombie Amarillo... un Zombie Radiante y Amarillo que también regará su semilla.
Este video, parte de la asignación de llevar una obra bidimensional escogida de la "Exposición Homenaje a la Obra de José Montenegro", a una animación tridimensional; sin embargo en nuestro caso como la obra física escogida era tridimensional, se procedió a realizar la animación de la creación de la obra, partiendo de los elementos básicos de la composición, entendiendo a estos como el punto, (Unidad mínima del elemento gráfico. El punto es lo que existe entre dejar de hablar y volver hacerlo. Kandisky) la línea (sucesión de puntos ordenados.) el plano, (elemento que determina el punto de las dos dimensiones, largo y ancho) y el volúmen (se forma cuando un plano en movimiento tiene un recorrido en dirección diferente a la suya propia) pasando así por un recorrido de la obra, hasta llegar al lugar, donde debía estar, El Museo.
De hecho se trató de ser lo más fiel posible, en representar la sala de exposición donde se encontraba la obra.
Fue agradable, realizar esta entrega, contando con la presencia del artísta en el aula de clases, la expresión en su mirada mientras observa, es indescriptible, puedo decir que sentí su emoción y su gratitud reflejado en su rostro.
Invito a conocer un poco sobre el trabajo de José Montenegro, artísta destacado y prof. de nuestra casa de estudio.
Hoy, luego de unos días sin internet, (porque tal vez los dueños de la red, se dieron cuenta que me lo robaba ja!) me encuentro con la grata sorpresa de que los alumnos oyentes, fuimos admitidos como estudiantes oficiales de la clase, sentí una especie de cosquillita al leer eso, aunque en cierta forma hubiese preferido enterarme al final de semestre, para no sentir el peso directamente de seis materias sobre mis hombros. En fin... acá un resumen de la 8va clase.
Comenzamos la clase viendo unos videos de David Elles y colectivo Blu.
Ya había tenido la oportunidad de ver algunos de estos videos, gracias a la prof. Maria Ines. Este colectivo interviene espacios públicos para de cierta manera romper con la rutina de la ciudad. Acá podemos encontrar más de sus trabajos http://www.blublu.org/sito/video/001.html
Luego entramos en materia digital, se nos fue distribuido cinco programas para la edición, manipulación, creación y descarga de video.
Dimos un breve recorrido por estos programas y sus funciones. Hablamos un poco de los diferentes tipos de formatos, comprimidos y no comprimidos, así como los utilizados para video, música, pc o mac.
De esta manera tenemos al formato .AVI, para pc, es un formato no comprimido y por ende ocupa mucho espacio en el disco duro, y en el caso de un formato no comprimido para la mac es .MOV
Entre los archivos comprimidos tenemos a MPG para las pc y MP4 para las mac.
Por otro lado tenemos el archivo nativo de Windows media player, el cual ocupa menos espacio, y lo ideal sería trabajar en WMV solo para windows.
Entre los archivos de extensión de documentos tenemos, a BMP, el primer archivo de imagen no comprimido y compatibles con todas las plataformas, también tenemos al TIFF, entre archivos de imagenes no comprimidos, mientras que JPG, es un archivo de imagen comprimido.
De esta manera abordamos el programa DVD4.0, el cual permite grabar un DVD en todos estos formatos (AVI, 3GP compatible con teléfonos móviles). Támbién vimos algunas herramientas básicas del Blaze Media Pro y cuando se iba a probar el Youtube dowloader, se cayó la conexión a internet.
En fin, quedó pendiente la creación de un video a partir de la unión de otros videos, pero no seleccionados al azar, sino con un criterio, una idea, un concepto.
"La IDEA es el alma, esencia esqueleto, órgano de cualquier proyecto"
Acá (lejos de llegar a ser una creación del colectivo blu) mis prueba, de animación cuadro a cuadro. No pude usar el Blaze media pro, pues se me cierra cuando voy a insertar un video o las imagenes para la creación de la animación cuadro por cuadro. Ya intenté con desintalarlo y volverlo a instalar y nada. Así que tuve que hacer la animación en Adobe premier, el cual para esta prueba, resultó de igual manera extremadamente fácil.
Este fue un video creado para el concurso de maratón animado, en el marco del Festival de cine Venezolano.
Su duración debía ser de 1" y llevar al inicio-final el código de grupo y el objeto clave "bombillo".
Realizado con materiales que se tenían a la mano, además de contar con la actuación principal de Filomena y el "poncho importado de piel de pollo", que ya habían sido protagonistas de unas de mis fotografías anteriores.
(Cuando lo subí a youtube se comió el último segundo, no sé por qué)
Joseph Kosuth parte de la obra de Marcel Douchanp, al considerar que el arte conceptual se inicia con el primer ready-made; afirmando que "el arte, es de hecho, la definición del arte"
Para Kosuth la obra del artísta debe generar un discurso con sentido y significación, por tal motivo no se necesita de un objeto físico como tal, si no que sus ideas se pueden comunicar mediante texto y de esta forma materializarla; para él , el artísta tiene una función social, por lo cual debe ser capaz de abarcar temas críticos referente a lo cultural y lo social.
Una de las primeras "pre-investigaciones de Kosuth, las cuales se han convertido en unas de sus obras característica, se deja en evidencia que no es necesaria la creación objetos, pues resulta suficiente la definición de estos. Así es el caso de: One and Three Lamps, 1965, One and Three Lamps, 1965, One and three photograph English-German, 1965 donde se puede observar el obejeto y sus representaciones: La fotografía y la definición.
El siguiente artísta abordado en clases fue Ive Klein.
Ive Klein fue un artísta francés, reconocido por sus monocromos que se centraba en el azul intenso, color que patentó con el nombre International Klein Blue, aparte de sus monocromos Yves también cubría con pintura azul a una serie de
modelos femeninas y las estampaba contra el lienzo dejando así la
impronta del cuerpo desnudo de las modelos sobre la tela, usándolas como si fueran "pinceles vivientes".
Para algunos críticos Klein es un descendiente de Marcel Duchamp, otros los consideraron como un descendiente de los primeros artístas de vanguardía como Kasimir Malevich.
En todo caso, Yves trató de evocar sensaciones y emociones, aislado de las líneas, los objetos prestados o simbolos abstraidos, creyendo que la superficie de la pintura monocromática se liberaba de la materialidad a través de la totalidad del pigmento puro.
Kasimir Malevich
Artísta Ruso, creador del suprematismo.
Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano
puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje
plástico que podría expresar "un sistema completo de construcción del mundo" En 1915 en la "ultima exposición futurista 0.10" presenta "Cuadro negro sobre fondo blanco" obra clave que explica su experiencia. "...en 1913, a lo largo de mis esfuerzos desesperados para liberar el
arte del lastre de la objetividad me refugié en la forma del cuadrado..." De esta manera Malevich califica en sus escritos ese arte como no objetivo. Formas geométricas simples y colores planos construyen cuadros que
carecen de sentido utilitario y que no evocan sentimientos, llegando
incluso a prescindir del color, sin embargo su economía máxima de medios culminó en "cuadrado blanco sobre fondo blanco" la cual no tiene referencia alguna con el mundo real. Después de realizar esta obra se dió cuenta de que no podía seguir más allá este estílo de pintura por lo cual volvió a la figuración y a dedicarse a aplicar sus investigaciones a la enseñanza y a la realización de unas maquetas
fantásticas que bordean la frontera entre la arquitectura y la escultura
abstracta.
La semana pasada estuve presente en la rueda de prensa de cierre del Festival de Cine Venezolano, donde se tocaron temas un poco superficiales, desde mi punto de vista, referente a las peliculas concursantes, y entre preguntas como ¿te fue difícil interpretar un personaje que no hablaba? o ¿qué tipos de inconvenientes han tenido al momento del rodaje de una película? alguién preguntó, ¿cómo hacer para que nuestras películas sean más universales? a lo que el panel de directores, productores y actores, respondieron casi en unísono.. "Mientras más local, mas universal"
Esa frase hizo eco en mi cabeza, como ya lo había hecho antes esta:
"El problema no consiste en tratar de ser americanos, europeos o universales, sino en ser fieles a nosotros mismos como individuos. Creo que debemos partir de lo individual para trascender hacia lo universal."(1)
así como han venido haciendo eco las clases de Arte Digital.
...Y teniendo ese eco en mi cabeza, observo "San Joaquín es un gesto", primer video realizado por la artísta Nela Ochoa 1985.
¡El eco fue materializado! observar ese video, fue una bonita manera de aseverar esas frases, terminar de darme cuenta, que a nuestro lado, al cruzar una esquina, al subir, bajar la mirada está nuestra materia prima, aquí mismo está nuestra fuente de inspiración y punto de partida.. ¡aquí!
Desde luego me sorprendí, ver como algo tan local, puede llegar hacer algo tan complejo o universal, cómo forma parte de un estudio investigativo, como en el caso de N. Ochoa, que estudia lo gestos y lo hace parte de su trabajo.
Ese "gesto" de representar algo tan vernaculo, (como diría Yucef) como el vaivén de las panelas de San Joaquin, acompañado con otros gestos similares como el acto de mecer a un niño entre los brazos, bailar o simplemente el vaivén del fuego en la chimenea.. toda ese juego de gestos, fue una experiencia estética agradable, motivadora e impulsadora.
Claro! claro que provoca hacer algo, luego de ver el video.
(1)Cuaderno de pintura Manuel Quintana Castillo. Monte Ávila Editores Latinoamericana.
Los siguientes, son dibujos que realicé mientras leía las primeras páginas del libro *"Antología Poética de Carlos Contramaestre" en el cual se puede leer la Versión de Adriano González León sobre el Contramaestre de aquellos años, y los muchos más de su vida.
"Los anteojos gruesos, oscuros, preceden siempre cualquier otro detalle de su figura, para
ofrecernos desde el comienzo, su imagen de buho inflado, sabio en su
árbol de los trazos y las contemplaciones, pícaro y socarrón en el
laboratorio del mago...."
"...Con encantamiento, pócimas, hojas puestas a freir a medianoche, mucha paciencia y desarreglo se metió en la pintura, más seguro de su
espíritu crítico que de las formas por crear, más intelectual que
trabajador de líneas y colores, más interesado por decir cosas que
mostrar cosas..."
"...Resultaba difícil seguirle la pista porque había
enormes trechos de vacío en su trabajo, con disipaciones de buen ron y
buen verbo al lado de sus amigos poetas..."
"...Un día cualquiera se fugó a España y por mucho tiempo nada se supo del estudiante ni del pintor, Las reseñas internacionales solicitadas nos los ubicaban por Salamanca y Madrid.."
*Bibliografía: Antología Poética Carlos Contramaestre. Monte Ávila Editores Latinoamericana. Edición 2007
De cierta manera no me habia manisfestado con respecto al video Caracas Ciudad de Despedida, sin embargo entre una y otra cosa, surge que hable de el.
Realmente cuando lo vi, mi escepticismo con respecto a lo que estaba viendo era tal, que llegué a pensar que todo era un montaje, una crítica, algo asi como lo que hizo Banksy con su "documental" Exit through the gift shop, pero luego al comenzar a ver las declaraciones de los chamos del documental y las disculpas dije: "Coye es que la vaina es en serio!" Y si, si era en serio, asi como es en serio la gran cantidad de venezolanos que se han ido a buscar nuevas opciones, a crecer, a superarse, a conocer... Y eso no tiene nada de malo, al contrario es beneficioso, es beneficioso si luego ese aprendizaje es devuelto a tu país, a la gente que se queda y no puede irse, por diversos motivos. Algo de eso lo comentó la compañera Andrea, y estoy en total acuerdo. Luego del revuelo del documental, de leer la historia del Dr. Vargas, de leer el Poema Ítaca y realizar reflexiones internas, caí en cuenta que yo también me fui, sin irme muy lejos, literalmente. No me fui del país, pero me fui de la ciudad donde crecí, donde tenia a toda mi familia cerca, donde contaba con el calor de hogar, comida a su hora, atenciones maternas, una hermana con quien hablar, un padre con quien reir, además de todas esas comodidades que hacen querer quedarte y no irte nunca. Pero me fuí, (me vine) hubiese sido más facil seguir allá luego de graduarme en el Instituto de Diseño, conseguir un empleo de "Diseñador" copiando y pegando imagenes para realizar avisos luminos, vallas, banners. Hubiese sido más facil, quedarme y cumplir ocho horas de trabajo "diseñando" por un sueldo mínimo. Hubiese sido más facil, terminar la carrera de electricidad y guardarme el titulo... Si, hubiese sido más facil... Pero me fui, y no porque el Instituto de Diseño donde estudié no me gustara, o no "dieran la carrera como quería" me fue con un sueño presente, un sueño de volver y crear un Instituto de diseño, donde todas las carencias presentes en el instituto donde estudié, se conviertan en proezas, donde la educación sea integral y el diseñador no sea educado para solo cortar y pegar imagenes en una publicidad. Me vine con un sueño que aún sigue en pie, me vine para aprender, me vine para crecer, me vine... para tantas cosas me vine.. así como me vine para volver.
Ciertamente el camino no es facil, apenas comienza y falta mucho para andar, ciertamente toque volar más e irse de verdad... ciertamente toque irse lejos, muy lejos para luego regresar!
Hablando de sensibilizarnos con nuestro entorno, con nuestar identidad, con todas esas pequeñas o grandes cosas que nos rodea, recordé como esa pelicula, hizo darme cuenta de todas esas criaturitas que sonrien cuando ando por ahí, de ellas, que son testigos silenciosos, alegres, encompinchados de mi estadia en esta ciudad."...Y es que no me habia dado cuenta al caminar, que existen zombies que alegran mi mirar..."
Si, de cierta manera esa pelicula causó una conmoción en mi, lejos de su tematica, su misterio, su minimalismo y la reflexión a la que nos invita. La mayor conmoción fue a causa de un simple dialogo, una simple frase...
...una simple frase que me hizo despertar y mirar a mi alrededor.
************
¿Cuantas cosas, hemos dejado de ver?
¿Cuantas cosas nos han hecho ver?
¿Cuantas cosas, nunca podremos ver?
cuantas cosas... tantas cosas... que deberiamos ver.
************
Cuantas cosas, tantas cosas que deberiamos Saber!
Deberiamos saber del Dr. Vargas,
primer presidente civil de Venezuela, Rector de La Universidad Central
de Venezuela, impulsador de la medicina, ejemplo a seguir, hombre de
actitud, lucha, perseverancia, ideales.
Deberiamos saber de Nedo, diseñador Gráfico Italiano, considerado fundador del Diseño Gráfico en Venezuela.
Deberiamos saber quien es Rafael Reif Venezolano, rector del MIT.
Deberiamos saber de Carlos Castillo director de cine venezolano, perteneciente al movimiento Super 8, pionero del video instalación.
Deberiamos saber deAntoni Muntadas considerado el padre del Net Art español.
Deberiamos saber sobre Bill Viola reconocido internacionalmente como uno de los principales artístas del video instalación.
Deberiamos saber quién fue Tristan Tzara, poeta y ensayista mas importante del movimiento Dadá.
Deberiamos saber quien fue Hans Arp, escultor poeta y pintor francoaleman impulsor Abstraction-Création.
(y la lista sigue)
Deberiamos saber....
Deberiamos saber, tantas cosas que deberiamos saber...!!
y volviendo a los zombies, esas flores amarillas que veo todos los días, y esa frase de la pelicula que me hizo despertar y verlos: podría hacer un parangón, entre esa frase -el profesor Yucef Merhi y los zombies amarillos-el conocimiento.
Palabras del Prof. Yucef Merhi, al preguntarle si podía entrar de oyente.
El pasado viernes 27 de Abril, unos compañeros hablaban de Arte digital, Optativa que habian inscrito; hablaban del prof. y sus trabajos realizados; y escuchandolos tuve un flashback y les pregunté ¿el fue el que hizo lo del reloj poetico? me contestaron de manera afirmativa. ( Me molesté, por haber gastados todas las unidades de crédito del semestre y no poder inscribir esa materia.)
Resulta, hace tiempo atrás tuve la oportunidad de asistir al Simposio Internacional de estética "La Pantalla Y el Marco" donde el artísta Yucef Merhi, explicó y mostró su obra. Demás está decir que quedé fascinada con su obra y amé la obra del Reloj Poetico...
¡...Y luego me entero que está dando clases en la facultad y no puedo ver la materia...!
Redacte una carta al departamento solicitando, me dieran dos unidades de crédito extra para poder ver la matería, y el jefe de departamento me regañó, diciendome que hay personas que no tienen ni una matería inscrita y yo ando pidiendo unidades. Bueno, al final no sé si me darán o no el cupo a la matería; de igual manera asistí al segundo bloque de la clase (luego del receso) de la sección de la mañana.
Resumen de la Clase
Cuando llegué terminaban de hablar de Caracas Ciudad de despedidas + Me iría demasiado, video realizado por un grupo de jovenes de clase media-alta, los cuales expresan sus razones de porque se irian de venezuela. En torno a este video se generó una serie de respuestas y comentarios negativos, lo cual causó la censura del video.
Por otra parte, se habló sobre el arte digital, sus orígenes, como era llamado anteriormente. En los 60 Arte electronico en los 70 arte computarizado, en los 80 arte multimedia y en los 90 pasó a denominarse arte digital, sin embargo en venezuela se le sigue llamando arte multimedia.
El prof, contó como en el museo de Arte Contemporaneo de Caracas existe una sala llamada arte multimedia, lo que no es más que una videoteca, ya que allí lo que se muestran son videos experimentales, de performance entre otros. Se entró entonces en una discusión-reflexión acerca de que es el arte digital, cual es el arte de los nuevos medios, de si una ilustración escaneada es arte digital, o si por el contrario algo realizado digitalmente e impreso seguiría siendo digital. En mi opinión, el arte digital es aquel que se realiza bajo los sistemas digitales, independientemente de si luego se convierte en algo físico o no. Tal es el caso de alguna obra de Merhi, las cuales la ha presentado de manera impresa y de manera digital.
Siguiendo con el tema, un compañero realizó un comentario sobre el land art, adjudicando que era un arte hecho en la naturaleza, sin embargo por ser de caracter efimero, se conserva muestra de este a través de tecnologías digitales como la fotografía e internet.
Robert Smithson, principal exponente Land Art
y con esto se terminó la clase, el prof. preguntó si era suficiente la información por el día de hoy, a lo que se respondió que no. Y nos tildó de masoquistas!
